INDIA Sharan Rani – Raag Miya Ki Todi / Raag Malkauns – HMV 7 EPE 1211

INDIA – INDE
Sharan Rani – Raag Miya Ki Todi / Raag Malkauns – HMV 7 EPE 1211 – 1961 (Vinyl 7 inch, 45 RPM)
(1929-2008)

Born into a prominent family in Delhi, Sharan Rani overcame the strong disapproval of her social milieu, and gender biases, to embrace a life dedicated to music. Through hard work, devotion and immense talent, she honed her skills on the sarod under the expert guidance of Baba Allaudin Khan and Ali Akbar Khan to become the first major female Hindustani instrumentalist. She toured in India and abroad, became a sought-after teacher, wrote an authoritative book on the history of the sarod, and collected an impressive collection of hundreds of rare musical instruments, some dating back to the 15th century, currently exhibited at the National Museum, New Delhi. Rani liked to say “Music is the breath of my life.”

These rare recordings from 1961 exemplify the Queen of Sarod's brilliant mastery, range and emotion.

Née dans une famille éminente de Delhi, Sharan Rani a dû surmonter la désapprobation virulente de son milieu social et le fait d'être une femme pour se consacrer corps et âme à la musique. Grâce à son travail acharné, son dévouement et son immense talent, elle perfectionne sa maîtrise du sarod auprès de Baba Allaudin Khan et d'Ali Akbar Khan pour devenir la première instrumentiste de renom de la musique Hindustani. Elle donne de nombreux concerts en Inde et à l'étranger, transmet son savoir auprès des jeunes générations, écrit un livre faisant autorité sur l'histoire du sarod et créé une collection unique de centaines d'instruments de musique rares, certains datant du 15ème siècle, actuellement exposée au Musée national de New Delhi. Sharan Rani aimait à dire que « La musique est le souffle de ma vie ».

Ces enregistrements rares de 1961 illustrent la brillante virtuosité, l'intensité et l'étendue des émotions exprimées par la Reine du sarod.

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The cover of this record was designed by South-Indian classical dancer and teacher Amala Devi.

The photograph below is from Indian Miniatures by G.D. Khullar, National Museum New Delhi, R & K Publishing House, New Delhi, 1967:

VIETNAM Les Montagnards du Centre Vietnam – Musidisc 30 CO 1446

VIETNAM
Les Montagnards du Centre Vietnam – Musidisc 30 CO 1446 – recorded by Maurice Bitter in the early 1960s, released in 1978 (LP)

The Montagnards (French for "mountain people"), or Degar, are general terms that encompass the various indigenous ethnic groups with similar traditional cultures and belief systems living in the Central Highlands of Vietnam. Following our post on the Mnong people, on the Ocora label, this album highlights other Montagnard peoples, notably the Rade, Bahnar and Jarai.

Frenchman Maurice Bitter (1926-1997), who recorded many disappearing musics and cultures throughout our world – from Cambodia to Sri-Lanka, Peru, Tahiti, Argentina, Corsica, Singapore and Mali in the 1960s and 1970s – offers us a well balanced panorama of musics performed to accompany Montagnard rituals, sacrifices, new year celebrations and funerals in various instrumental formats including gongs (A1, A6, B1), xylophones (A8, B3), orchestras (A9, B4), bamboo whistles (A3) and flutes (A7), singing (A4, A10, B5), and some truly heavenly female voices (A2).

Les montagnards est un termes général qui englobe les divers peuples indigènes des hauts plateaux du centre Vietnam ayant des cultures et des systèmes de croyances traditionnels similaires. Suite à notre post sur les Mnong sur le label Ocora, cet album présente la musique d'autres peuples montagnards, notamment les Rade, Bahnar et Jarai.

Maurice Bitter (1926-1997), qui a enregistré de nombreuses musiques issues de cultures aujourd'hui disparues aux quatre coins monde – du Cambodge au Sri Lanka, en passant par le Pérou, Tahiti, l'Argentine, la Corse, Singapour et le Mali dans les années 1960 et 1970 – nous offre ici un excellent panorama des musiques jouées par les montagnards pour accompagner leurs rituels, sacrifices, fêtes de la nouvelle année et funérailles dans divers formats instrumentaux, y compris des gongs (A1, A6, B1), des xylophones (A8, B3), des orchestres (A9, B4), des sifflets (A3) et des flûtes (A7) en bambou, des chants (A4, A10, B5), et des voix de femmes enchanteresses (A2).  

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Photographs below are from Des Hommes Debout – Les Montagnards du Sud-Vietnam by Paul L. Seitz, Editions Saint-Paul, Paris, 1977:

NIGERIA Ayinla Omowura and His Apala Group – 25 x 40 – Africa Song Ltd - NEMI (LP) 0515

NIGERIA – NIGÉRIA
Ayinla Omowura and His Apala Group – 25 x 40 – Africa Song Ltd - NEMI (LP) 0515, released in 1980 (LP)
(1933-1980)

Apala giant Ayinla Omowura was hugely popular among Nigeria's Yoruba people in the 1970s and after his death in 1980, especially among the most humble members of Yoruba society, who venerated him. Both his music and lyrics are markedly different from those of Apala king Haruna Ishola, presented in a previous post. Despite an exclusive use of traditional instruments, Omowura's music and persona evolved in a very urban world in a complex nation with great social disparities. His lyrics ranged from existentialist musings about death to commending or criticizing government policies, chastizing women who bleach their skin or boasting that nobody outshined his musical genius. The fiery-tongued Omowura also feuded with other musicians, like Fuji master Barrister. He interspersed his lyrics with a witty and provocative use of the Yoruba language, its proverbs and imagery, which are no longer understood or valued by the younger generations.

This is probably my favorite album by the artist, featuring his deep, authoritative voice, powerful backing vocals and spellbinding, multilayered and fast-tempoed percussions  (including iyalu talking drums, agogo bells, sekere rattles, akuba drums, and agidigbo thumb piano). Both sides of the LP are like one long medley of thrilling music with a particularly enthralling Side B.

Le géant de la musique Apala Ayinla Omowura était extrêmement populaire chez les Yoruba du Nigeria dans les années 1970 et après sa mort en 1980, surtout parmi les plus démunis qui le vénéraient. Sa musique et ses paroles sont très différentes de celles du roi du Apala Haruna Ishola que nous avons présenté dans un post précédent. Même s'il utilisait exclusivement des instruments traditionnels Yoruba, la musique d'Omowura se situait dans un monde très urbain dans un pays complexe et très inégalitaire. Il abordait des thèmes très divers allant de considérations existentielles sur la mort à l'approbation ou la critique de politiques gouvernementales, en passant par des moqueries acerbes à l'encontre des femmes qui blanchissent la peau, ou l'affirmation qu'aucun autre artiste ne pouvait égaler son génie musical ... Le fougueux Omowura se lançait parfois dans des joutes verbales violentes avec d'autres grands artistes comme Barrister. Il maniait le verbe avec dextérité et avait le sens de la provocation, le tout parsemé de proverbes Yoruba qui ne sont plus appréciés, ni véritablement compris, par les jeunes générations. 

Cet album d'Owomura est celui que j'écoute le plus souvent avec sa voix grave et intense, des choeurs puissants et des percussions polyrythmiques envoûtantes comprenant des tambours parlants iyalu, des cloches agogo, des hochets sekere, des tambours akuba, et un grand piano à pouce agidigbo. Les deux faces du disques forment ensemble un long medley palpitant avec une face B particulièrement brillante.

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The photograph of the Yoruba mask below is from African Tribal Images by William Fagg, The Cleveland Museum of Art publishing, 1972:

INDIA Ali Akbar Khan – Raag Todi / Raag Lajwanti – HMV EALP 1255

INDIA – INDE
Ali Akbar Khan – Raag Todi / Raag Lajwanti – HMV EALP 1255 – 1961 (LP)

Sarod master Ali Akbar Khan (1922-2009), who originally came from East Bengal (now in Bangladesh), played a pivotal role in popularizing Indian music in the West.

Khan was highly revered for his prodigious virtuosity, depth, melodic inventiveness, emotion and uncompromising musicianship. He had the great privilege of learning his time-honored art from his father Baba Allauddin Khan (1862-1972), one of the greatest musical minds of the 20th century, who mastered well over 100 instruments! This stern teacher, who also taught Ravi Shankar and Nikhil Banerjee, subjected his son to 12 to 16 hours of grueling daily practice pushing him to constantly surpass himself and deepen his knowledge.

Ali Akbar Khan once famously said, "If you practice for ten years, you may begin to please yourself, after 20 years you may become a performer and please the audience, after 30 years you may please even your guru, but you must practice for many more years before you finally become a true artist – then you may please even God."

He released countless fantastic recordings throughout his long career, including jugalbandi duets with sitarists Ravi Shankar, Vilayat Khan and Nikhil Banerjee, and violinist L. Subramaniam.

This original pressing of a 1961 recording captures the awe-inspiring magic of his sarod playing.

Le maître du sarod Ali Akbar Khan, originaire du Bengale oriental dans l'actuel Bangladesh, a joué un rôle majeur dans la popularisation de la musique indienne en Occident.

Il était vénéré pour sa prodigieuse virtuosité, sa profondeur, son inventivité mélodique, son émotion et une musicalité sans aucune compromission. Il a eu la grande chance d'apprendre son art séculaire auprès de son père Baba Allauddin Khan (1862-1972), l'une des plus grandes figures musicale du 20ème siècle, qui maîtrisait parfaitement plus de 100 instruments ! Le professeur sévère et intransigeant, qui était également le maître de Ravi Shankar et de Nikhil Banerjee, astreignait son fils à pratiquer la musique entre 12 à 16 heures par jour jusqu'à l'épuisement, le poussant à constamment se surpasser et à approfondir ses connaissances.

Selon Ali Akbar Khan : "Lorsque l'on pratique un instrument pendant dix ans, on peut commencer à se faire plaisir ; après 20 ans on peut donner des concerts et faire plaisir au public ; après 30 ans, on peut même faire plaisir à son gourou ; mais vous devrez encore pratiquer pendant de longues années avant de devenir un véritable artiste – et pourrez alors même faire plaisir à Dieu."

Il a publié de nombreux disques fabuleux tout au long de sa longue carrière, y compris des duos jugalbandi avec les sitaristes Ravi Shankar, Vilayat Khan et Nikhil Banerjee, et le violoniste L. Subramaniam.

Ce premier pressage d'un enregistrement de 1961 illustre parfaitement la magie et l'inspiration de son extraordinaire jeu de sarod.

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The cover of this record was designed by South-Indian classical dancer and teacher Amala Devi.

The Cosmic Dance (Rasamandala), Krishna with the encircling Gopis, Jaipur, 18th century,

from The Essential Ananda K. Coomaraswamy, World Wisdom, edited by Rama P. Coomaraswamy, 2003 (highly recommended):

www.worldwisdom.com 

ARMENIA Komitas – Patarag – Male Chamber Choir of the Yerevan Opera Orchestra, Conductor K. Keshishyan, Choir Master T. Asmaryan - Melodiya C10-29297 004

ARMENIA – ARMÉNIE
Komitas – Patarag – Male Chamber Choir of the Yerevan Opera Orchestra, Conductor K. Keshishyan, Choir Master T. Asmaryan - Melodiya C10-29297 004, recorded 1989 (2 LPs)
(1869-1935)

 

Armenian priest, singer, musicologist, and composer Komitas (1869-1935), born Soghomon Soghomonian, is a central figure in Armenian music. He tirelessly collected over 3,000 folk tunes in the Armenian Highlands between 1899 and 1910 and introduced polyphony in Armenian religious music at the end of the 19th century.

So important was his contribution to Armenian culture and identity that he is referred to as the "savior of Armenian music," all the more so in the context of the tragedy that befell the Armenian people in 1915.

The majestic polyphonic liturgical Patarag sung by a men's choir on this double LP on the occasion of the 120th anniversary of his birth radiates mysticism and timeless beauty.

Le prêtre, chanteur, musicologue et compositeur Komitas (1869-1935), né Soghomon Soghomonian, est une figure centrale de la musique arménienne. Il a inlassablement collecté plus de 3 000 chansons folkloriques dans des villages arméniens entre 1899 et 1910 et a introduit la polyphonie dans la musique religieuse arménienne à la fin du XIXe siècle.

Sa contribution à la culture et à l'identité arméniennes est telle qu'il est considéré comme le « sauveur de la musique arménienne », d'autant plus dans le contexte de la tragédie qui a frappé le peuple arménien en 1915.

La majestueuse polyphonie liturgique Patarag chantée par un chœur d'hommes sur ce double album célébrant le 120ème anniversaire de sa naissance rayonne de mysticisme et de beauté intemporelle.

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Photographs below are from The Art Gallery of Armenia, Yerevan compiled by N. Mazmanian and edited by H. Igitian, Aurora Art Publishers, Leningrad (Saint Petersburg), 1975:

CENTRAL AFRICAN REPUBLIC – REPUBLIQUE CENTRAFRICAINE Musique Pygmée et Musique Nègre – Barclay 86.019

CENTRAL AFRICAN REPUBLIC – REPUBLIQUE CENTRAFRICAINE
Musique Pygmée et Musique Nègre – Barclay 86.019 – recorded by Claude Huchin, the Oubangui-Congo Expedition, 1955 (LP)

The Pygmy people of Central Africa – living in the equatorial forest of the two Congos, the Central African Republic, Cameroon, Gabon and Zambia – are some of Africa's earliest inhabitants, a hunter-gatherer civilization that some believe dates back 50,000 years.

This rare LP of music collected in 1955 along the Ubangui river, between the current Central African Republic and the Democratic Republic of Congo (aka Congo-Kinshasa), showcases the fascinating and spellbinding music of the Babinga Pygmies, featuring vocal polyphony, yodeling, drums and harp zithers. This intense, abstract music lies at the very heart of the Pygmy collective identity and is an integral part of their daily hunting rites and magic and religious practices (Side A). Side B features music from their sedentary Bantu neighbors established near the river.

Les pygmées d'Afrique centrale – qui vivent notamment dans la forêt équatoriale des deux Congo, en République Centrafricaine, au Cameroun, au Gabon et en Zambie – sont parmi les premiers habitants de l'Afrique, une civilisation de chasseurs-cueilleurs vieille de 50 000 ans!

Ce disque rare de musique recueillie en 1955 le long du fleuve Oubangui, entre l'actuelle République Centrafricaine et la République Démocratique du Congo (Congo-Kinshasa), présente la musique fascinante et envoûtante des Pygmées Babinga faîte de polyphonies vocales, de yodels, accompagnée de tambours et de cithares. Cette musique intense et abstraite est au cœur même de l'identité collective pygmée et fait partie intégrante de leurs rites de chasse et de leurs pratiques magiques et religieuses (face A). La face B présente la musique de leurs voisins bantous installés le long du fleuve.

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Website in English and Italian: http://www.pygmies.org/
Recommended Pygmy music:
Music of the Rainforest Pygmies: Historic Recordings of Colin Turnbull CD LYR-7157 Pygmies of the Ituri Rainforest Folkways SFW 40401
Cameroon: Baka Pygmy Music UNES 08029

Photograph below is from Man's Earliest Music: The World of Music by Richard Carlin, Facts On File, 1987: