SENEGAL – SÉNÉGAL Chants et Rythmes Sénégalais – Ensemble Instrumental de l’A.C.A.S. – N’DARDISC 33-11

SENEGAL – SÉNÉGAL

Chants et Rythmes Sénégalais – Ensemble Instrumental de l’A.C.A.S. – N’DARDISC 33-11 (LP)

This luminous album was released in 1974 on the legendary Senegalese record label N'Dardisc. Founded shortly after Senegal gained independence in 1960 by Louis Fourment, N'Dardisc was one of the earliest independent commercial labels dedicated to West African music.

 

As a heritage document, the album beautifully captures the fluid and sensuous music of Senegalese griots from a bygone era. Known as guewels in Wolof and jalis (or jelis) in Mandinka, griots form a distinct, hereditary social caste within West African societies. Traditionally, they act as vocalists, virtuoso musicians, oral historians, and praise singers, and are thus the keepers and transmitters of cultural memory at the heart of Senegalese identity.

 

The music is performed by the Ensemble Instrumental de l’A.C.A.S. (Association Culturelle et Artistique du Sénégal), a group that brought together some of the greatest luminaries in the country. Samba Diabare Samb (1924–2019) (B1) and Amadou N'Diaye Samb (c. 1925–1982) (A1). These cousins and masters of the Wolof and Peul (Halpulaar) traditions were renowned singers and virtuoso players of the five-string xalam (or halam) lute and famously hosted the Sénégal Demb (Senegal of Yesterday) radio show in the late 1950s. Other members of the ensemble included the great vocalist and 21-string kora lute virtuoso, Lalo Kéba Dramé (1926–1974) (A2), and the celebrated vocalists Fa Mbaye Issa Diop (A3), Astou N’Dieuguen (B2) and Talla Sané (B3).

 

Cet album lumineux est sorti en 1974 sur le légendaire label sénégalais N'Dardisc. Fondé peu après l'indépendance du Sénégal en 1960 par Louis Fourment, N'Dardisc fut l'un des tout premiers labels indépendants dédiés à la musique ouest-africaine.

 

En tant que document patrimonial, cet album illustre magnifiquement la musique fluide et sensuelle des griots sénégalais d'antan. Appelés guewels en wolof et jalis(ou jelis) en mandingue, les griots forment une caste sociale distincte et héréditaire au sein des sociétés d'Afrique de l'Ouest. Traditionnellement, ils officient en tant que chanteurs, musiciens virtuoses, historiens oraux et paroliers de louanges, affirmant ainsi leur rôle de gardiens et de passeurs de la mémoire culturelle au cœur même de l'identité sénégalaise.

 

La musique est interprétée par l'Ensemble instrumental de l’A.C.A.S. (Association culturelle et artistique du Sénégal), une formation qui a rassemblé quelques-unes des plus grandes figures du pays. On y trouve notamment Samba Diabare Samb (1924-2019) (B1) et Amadou N'Diaye Samb (c. 1925-1982) (A1). Ces cousins, qui étaient des maîtres des traditions wolof et peule (halpulaar), étaient des chanteurs de renom et des virtuoses du luth à cinq cordes, le xalam (ou halam), et ont ensemble animé la célèbre émission de radio Sénégal Demb (Le Sénégal d'hier) à partir de la fin des années 1950. L'ensemble comptait également le grand chanteur et virtuose de la kora à 21 cordes, Lalo Kéba Dramé (1926-1974) (A2), ainsi que les célèbres divas et chanteurs Fa Mbaye Issa Diop (A3), Astou N’Dieuguen (B2) et Talla Sané (B3).

 

A1 – Niani (Wolof)

Niani was a powerful Wolof/Serer kingdom located along the Gambia River that existed from the 14th century to the late 19th century;

Vocals and xalam lute by Amadou N'Diaye Samb & backing vocals;

 

A2 – Alalake (Mandinka)

"It is God's will," 

Vocals and kora harp by Lalo Kéba Dramé;

 

A3 – Diegoye (Wolof)

"The Lioness,"

Vocals by Fa M'Baye Issa Diop, backing vocal, kora, xalam, flute & percussion;

 

B1 – Galayabe (Wolof)

Heroic epic and praise song,

Vocals and xalam lute by Samba Diabare Samb;

 

B2 – Fode Diouf (Wolof / Serer)
Praise song dedicated to Fode Diouf, a traditional ruler of Saloum who died in 1969,
Vocals by Astou N’Dieuguen, backing vocals, kora, flute & percussion;

 

B3 – Horoya (Mandinka)

"Freedom" "Liberty" or "Dignity," 

Vocals by Talla Sané backing vocal, kora, xalam, flute & percussion.

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Vintage postcard of a Senegalese griot on the kora:

Vintage postcard of a Senegalese chief and
his griot on the xalam:

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IRAN Ali-Asghar Bahari (علی‌اصغر بهاری) – Master Performers of Persian Traditional Music - 9 – Ahang Rooz - ARTMS 12

IRAN 

Ali-Asghar Bahari (علی‌اصغر بهاری) – Master Performers of Persian Traditional Music - 9 – Ahang Rooz - ARTMS 12, released in 1974 (LP)

Born in Teheran into a prestigious musical family of prominent kamancheh players, Ali-Asghar Bahari (1905–1995) was one of the towering figures in Persian music during the 20th century. Trained successively by his maternal grandfather, Mirzā Ali Khan, and his uncles, Akbar Khan, Reza Khan, and Hassan Khan, Bahari acquired a deep knowledge of the Radif, the repertoire of Persian classical music, as well as a virtuoso command of the spiked kamancheh bowed fiddle. 

 

After the Western violin was introduced to Iran during the Qajar dynasty in the 1880s, its greater loudness, versatility, wider dynamic range, and modern appeal threatened to render the kamancheh obsolete during the first half of the 20th century. Through brilliant performances, collaborations with masters Jalal Zolfonoun (1938–2012) on the setar and Faramarz Payvar (1933–2009) on the santur, radio broadcasts, teaching, and mentoring a new generation of kamancheh players, Bahari played a pivotal role in reinstating the traditional spike fiddle’s prominence in Persian classical music. Iranian musicians say, ‘The violin laughs; the kamancheh weeps.’

 

It should also be noted that, in the early 20th century, the three-string kamancheh was adapted to include a fourth string, allowing it to match the violin's tuning and range.

 

This precious 1974 solo album, released on the legendary Iranian Ahang Rooz label, showcases Bahari’s unhurried, poetic mastery. It captures the deeply meditative and spiritual essence of the Persian dastgah system. Delicate microtones, slides, weighted vibrato, and silence, give each phrase a unique vocal quality.

 

Né à Téhéran dans une famille de musiciens prestigieuse comptant d'éminents joueurs de kamancheh, Ali-Asghar Bahari (1905-1995) fut l'une des figures majeures de la musique persane du XXe siècle. Il a été successivement formé par son grand-père maternel, Mirzā Ali Khan, ainsi que par ses oncles Akbar Khan, Reza Khan et Hassan Khan. Il a ainsi acquis une connaissance approfondie du radif, le répertoire de la musique classique persane, et une maîtrise virtuose du kamancheh.

 

Après l'introduction du violon occidental en Iran sous la dynastie Qajar, dans les années 1880, sa puissance sonore supérieure, sa polyvalence, sa gamme dynamique plus étendue et son attrait moderne ont menacé de rendre le kamancheh obsolète au cours de la première moitié du XXe siècle. Grâce à ses prestations brillantes, à ses collaborations, notamment avec les maîtres Jalal Zolfonoun (1938-2012) au setar et Faramarz Payvar (1933-2009) au santour, à ses émissions de radio, à son enseignement et à son mentorat d'une nouvelle génération de joueurs de kamancheh, Bahari a joué un rôle central dans le rétablissement de la place prépondérante de la vièle à archet traditionnelle dans la musique classique persane. Les musiciens iraniens aiment à dire : « Le violon rit ; le kamancheh pleure. »

 

Il convient également de noter qu'au début du XXe siècle, le kamancheh à trois cordes a été adapté avec l’ajout d’une quatrième corde, ce qui lui a permis d'avoir une gamme identique à celle du violon.

 

Cet album solo précieux, sorti en 1974 sur le légendaire label iranien Ahang Rooz, témoigne de la remarquable maîtrise poétique et sereine du kamancheh de Bahari. Il saisit l'essence profondément méditative et spirituelle du système perse des dastgâhs. Des micro-intervalles délicats, des glissandos, un vibrato mesuré et des silences confèrent à chaque phrase une qualité vocale unique.

 

SIDE A

A1 – Dastgāh-e Shour (دستگاه شور)

A2 – Āvāz-e Abou Atā (آواز ابوعطا)

 

SIDE B

B1 – Āvāz-e Esfahān (آواز اصفهان)

B2 – Āvāz-e Afshāri (آواز افشاری)

B3 – Dastgāh-e Segāh (دستگاه سهگاه)

B4 – Āvāz-e Bayāt-e Tork (آواز بیات ترک)

 

Dastgāh: primary modal system / Āvāz: subsidiary mode

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My other Persian/Iranian music posts:

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Classical Music of Iran – Vol. 2 – Folkways 8832 here

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Music in the World of Islam – Flutes & Trumpets – Tangent here

Photographs below are from Iran – Les Traditions Musicales by Nelly Caron and Dariouche Safvate, Buchet/Chastel, 1966:

Ali-Asghar Bahari:

Musicians from the late 19th-century Qajar era wearing 

traditional tall black, felt kolah hats. 

Left to right: 

Bahari's uncle 

Hassan Khân (kamancheh spiked bowed fiddle), unknown (tonbak goblet drum), Seyyid Zeyn-ol-Abedin Gharâb (daf frame drum), Mirzâ Abdol-Mowlâ (long-necked tar lute) & Hassan ‘Santur’ Khân 

(santur hammered dulcimer):

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INDIA – Zia Mohiuddin Dagar – Rudra Veena Recital – His Master's Voice – ECSD 2736

INDIA – INDE

Zia Mohiuddin Dagar – Rudra Veena Recital – His Master's Voice – ECSD 2736, 1974 (LP)

Born in Rajasthan, where his father Ziauddin Khan Dagar was a court musician for the Maharaja of Udaipur, Zia Mohiuddin Dagar, aka Z.M. Dagar, (1932-1990) was a formidable master of the seldom-played rudra veena (or bin). 

 

According to mythology, Shiva created the rudra veena in one of His forms, which embodies the cosmic sound Nada, the primordial vibration from which all music and existence flow.

 

All the vocalists of the illustrious Dagar family played the rudra veena as an accompaniment to their singing. But Z.M. was the only Dagar to play the rudra veena as a Dhrupad performance instrument instead of focusing on singing. 

 

In order to render the subtleties and nuances of Dhrupad with greater depth and versatility, he would later enlarge the instrument’s gourds and hollow neck to add bass and resonance for enhanced stage presence and longer sustain times of notes and harmonics. 

 

This treasured LP exemplifies the maestro’s signature deep, slow, spiritual musings, which create a meditative space and inspired tension of timeless universal value.

 

Dagar is accompanied here by Swami Pagal Das (1920-1997) on the mridangam drum and an unknown tanpura drone player. Iqbal Ahmed also plays the bowed sarangi on track B2.

 

Né au Rajasthan, où son père, Ziauddin Khan Dagar, officiait comme musicien à la cour du maharaja d'Udaipur, Zia Mohiuddin Dagar, surnommé Z. M. Dagar (1932-1990), est considéré comme le plus grand maître de la rudra vina (ou bin) de la seconde moitié du XXe siècle.

 

Tous les chanteurs de l'illustre famille Dagar jouaient de la rudra vina pour s’accompagner au chant. Mais Z.M. était le seul Dagar de sa génération à adopter la rudra vina comme instrument de concert Dhrupad plutôt que le chant. 

 

Selon la mythologie, Shiva aurait créé la rudra vina sous l'une de ses formes, qui incarne le son cosmique Nada, la vibration primordiale à l'origine de toute musique et de toute existence.

 

Afin de rendre les subtilités et les nuances du Dhrupad avec plus de profondeur et de fluidité, Z.M. Dagar a même transformé la rudra vina en élargissant la taille des gourdes et du manche creux de l’instrument afin d’ajouter des basses et de la résonance pour une plus grande présence scénique et pour allonger la durée du sustain des notes et des harmoniques.

 

Cet album essentiel, apprécié pour les envolées lentes, délicates et méditatives du maestro, crée un espace contemplatif empreint de tensions inspirées, hors du temps et d’une valeur universelle.

Il est accompagné ici par Swami Pagal Das (1920-1997) au mridangam et

par un joueur de bourdon tanpura inconnu. Iqbal Ahmed joue également du sarangi à archet sur le morceau B2.

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My other Dhrupad instrumental and vocal posts:

Zia Mohiuddin Dagar – HMV - 7 EPE 1312 here

Zia Mohiuddin Dagar – Morgonraga here

Chandrashekhar Naringrekar – HMV - 7 EPE 1590 here

Dagar Brothers – Nasir Moinuddin Dagar & Nasir Aminuddin Dagar – EALP 1291 here

Nasir Aminuddin Dagar – HMV EASD 1420 here

Younger Dagar Brothers – Nassir Zahiruddin Dagar & Nassir Faiyazuddin Dagar – EALP 1334 here

Photograph below is from Painted Delight – Indian Paintings from the Philadelphia Collections – Philadelphia Museum of Art, January 26 to April 20, 1986:

 

Raja Bikram is carried by fairies to the celestial city of Kanakgir, 

also known as the Golden Mountain. 
Illustration from the Gulshan-i-Ishq (The Flower Garden of Love), 

Deccan School, 1743:

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