TURKMENISTAN Туркменскые Народные Песни / Turkmenian Folk Songs and Melodies – Melodiya 017901-2

TURKMENISTAN

Туркменскые Народные Песни / Turkmenian Folk Songs and Melodies – Melodiya 017901-2 (LP)

I’m delighted to present the fascinating musical tradition of the bakshy bards from Turkmenistan, a large, sparsely populated desert country on the Caspian Sea bordered by Kazakhstan, Uzbekistan, Afghanistan and Iran.

 

These professional traveling Turkmen bards perform at weddings and other social events by playing the long-necked dutar two-stringed lutes and gidjak spike fiddles and singing epics stories (dastan or destan) and oral folk literature. Bakshys are also historically associated with shamanism, magic and healing. 

 

An apprentice performer undergoes rigorous formal traditional training under the tutelage of a halypa teacher in order to fully master the instruments and chants, as well as memorize historic dastan epics, before being ritually accepted into the community as a bakshy. Today, women can also become bakshys.

 

This LP, on the great Soviet label Melodiya, showcases this traditional art form at the heart of Turkmen culture and identity. We hear dutar lutes, gidjak fiddles and vocals, including dastan epics (A1, B1), folk songs (A4, B4) and dutar solo instrumentals (A3, B3).

 

The intense vocals here are characterized by their strange and stunning effects: “Perhaps the most distinctive trait of the bagshy repertoire is the abundance of non-musical, acoustic effects. These sounds are thought to be associated with magical spells. There are three different types: shouts or cries; ‘hiccups’ or ‘barks’ called juk-juk; and rustling sounds (snoring, moaning, murmuring).”* 

J'ai le plaisir de vous présenter la fascinante tradition musicale des bardes bakshy du Turkménistan, un grand pays désertique peu peuplé situé au bord de la mer Caspienne et bordé par le Kazakhstan, l'Ouzbékistan, l'Afghanistan et l'Iran.

 

Ces bardes turkmènes professionnels itinérants se produisent lors de mariages et d'autres événements sociaux en jouant des luths à deux cordes dutar et des vièles gidjak, ainsi que des chants de récits épiques (dastan ou destan) et folkloriques. Les Bakshys sont également historiquement associés au chamanisme, à la magie et à la guérison.

 

Un apprenti suit une formation traditionnelle rigoureuse sous l’égide d'un professeur halypa afin de maîtriser les instruments et les chants, ainsi que de mémoriser les épopées dastan, avant d'être rituellement accepté dans la communauté en tant que bakshy. Aujourd'hui, les femmes peuvent également devenir des bakshys.

 

Cet album, paru sur le grand label soviétique Melodiya, présente cet art traditionnel au cœur de la culture et de l'identité turkmènes. On y entend des luths dutar, des vièles gidjak et des voix, avec notamment des épopées dastan (A1, B1), des chansons folkloriques (A4, B4) et des solos instrumentaux de dutar (A3, B3).

 

Les voix intenses se caractérisent ici par leurs effets étranges et étonnants : " Le trait le plus distinctif du répertoire bagshy est sans doute l'abondance d'effets acoustiques non musicaux. Ces sonorités sont associées à des sortilèges. Il en existe trois types différents : les cris ou les pleurs, les "hoquets" ou "aboiements" appelés juk-juk, et les bruissements (ronflements, gémissements, murmures) "*.

*https://theculturetrip.com/asia/turkmenistan/articles/the-bards-of-turkmenistan

 

A1 – Dushdi Nazarym (My Eyes Have Seen) – from Dastan “Seipel-Melek-Medkhal-Jemal”

Unknown Artist 

 

A2 – Khal Iki Yandan (Your Birthmarks) 

Ch. Tachmamedov (dutar) / A. Avliev (gidjak) and S. Japarov 

 

A3 – Selbinyaz Kyrk – instrumental 

D. Khansakhatov (dutar)

 

A4 – Amman-Amman (Spare Me) – lyrical folk song

M. Karliev 

  

A5 – Kharaiym Dondi (Beloved Dondi) 

O. Ilyasov & Folk Instruments Ensemble

 

B1 – Al Senem (Buy Me, Senem) – from the folk Dastan “Shahsenem and Garib”

Unknown Artist 

 

B2 – Bileni (Ever With You)

M. Khalmamedov & Folk Instrument Trio 

 

B3 – Gyrmyzy – instrumental 

M. Tachmuradov (dutar)

B4 – Baga Baraly Gozel (Come to the Garden)

G. Chariev (singing and dutar) / Ja. Nurgeldiev (dutar) and G. Aliev (gijak)

 

B5 – Dil-Berim Yarashmaz (It Does Not Suit You)

G. Chariev (singing and dutar) / Ja. Nurgeldiev (dutar) and G. Aliev (gijak)

 

B6 – My Beauty

G. Chariev (singing and dutar) / Ja. Nurgeldiev (dutar) and G. Aliev (gijak)

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Many thanks to our friend Julien for sharing this gem!

Photograph below is from Les Instruments de Musique Populaires by Alexandre Buchner, Gründ, 1969:

Turkmen musicians, Turkmenistan: 

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INDIA – INDE Allauddin Khan – Megaphone - JNLX 1008

INDIA – INDE

Ustad Allauddin Khan – Megaphone - JNLX 1008, released in 1976, recorded in the 1940s (LP)

Allauddin Khan (1881-1972), born in Shibpur, Brahmanbaria, in present-day Bangladesh, was a towering Hindustani musician of the 20th century and a legendary guru to such luminaries as his son Ali Akbar Khan (1922-2009), his daughter Annapurna Devi (1927-2018), Ravi Shankar (1920-2012), Nikhil Banerjee (1931-1986), Sharan Rani (1929-2008) and Pannalal Ghosh (1911-1960).

 

Born into a family of passionate amateur musicians, Khan found his calling early on, and ran away from home at the age of 10 to join a Bengali Jatra folk theater. He later settled in Kolkata to study music under the tutelage of vocalist Nulo Gopal, with whom he studied for seven years until his guru’s death. Khan then moved to Rampur, Uttar Pradesh, where he became the disciple of veena player Ustad Wazir Khan (1860-1926), a great musician and teacher at the court of Rampur. It was during this time that Khan began to perform. His many years of intense, dedicated training, combined with a relentless curiosity, culminated in a mastery of many Indian instruments, including the sarod, sitar, surbahar, veena, shenai, tabla, pakhawaj, as well as the violin, mandolin and trumpet.

 

Khan quickly established his reputation, and in 1911 the Maharaja of the princely state of Maihar became his disciple and Khan became a court musician. He founded the Maihar Gharana and opened a music school in Maihar where he lived until his death in 1972.

 

The paradox with this great musical mind of the 20th century, who nurtured so many great talents and penned numerous compositions, is that there are few available albums of his music outside of a hard-to-find series of All India Radio Archival CDs. This seminal compilation of 78 RPMs from the 1940s, presenting a tantalizing program of Khan’s exceptionally brilliant playing of the sarod on Side A and the violin on Side B, serves as a perfect introduction to his musical world. 

 

Allauddin Khan (1881-1972), né à Shibpur, Brahmanbaria, dans l'actuel Bangladesh, fut un immense musicien Hindustani du XXe siècle et le gourou légendaire auprès de musiciens de génie tels que son fils Ali Akbar Khan (1922-2009), sa fille Annapurna Devi (1927-2018), Ravi Shankar (1920-2012), Nikhil Banerjee (1931-1986), Sharan Rani (1929-2008), et Pannalal Ghosh (1911-1960).

 

Issu d'une famille de musiciens amateurs passionnés, Khan trouva rapidement sa voie et quitte le domicile familial à l'âge de 10 ans pour rejoindre une troupe de théâtre folklorique bengali Jatra ! Plus tard, il va vivre à Kolkata pour étudier la musique sous la tutelle du chanteur Nulo Gopal pendant sept ans, jusqu'à la mort de son professeur. Il s'établit ensuite à Rampur, dans l'Uttar Pradesh, où il devient le disciple du célèbre joueur de veena et professeur Ustad Wazir Khan (1860-1926). C’est à cette période qu’Allauddin Khan commença à se produire en public. Après des années d’apprentissages intenses et passionnées, mélés de curiosité acharnée, il parvient, de manière tout à fait remarquable, a maîtriser de nombreux instruments indiens, y compris le sarod, le sitar, le surbahar, la veena, le shenai, le tabla, le pakhawaj, ainsi que le violon, la mandoline et la trompette.

 

Sa réputation grandit et, en 1911, le Maharaja de l'État princier de Maihar devient son disciple et Allauddin Khan devient musicien de cour à Maihar. Il fonde le Maihar Gharana et ouvre une école de musique à Maihar où il vivra jusqu'à sa mort en 1972.

 

Le paradoxe de ce grand esprit musical du XXe siècle, qui forma tant de talents exceptionnels, est qu'il existe peu d'albums de sa musique, en dehors d'une série difficile à trouver de CD d'archives d'All India Radio. Cette compilation essentielle de 78 tours des années 1940, qui présente le jeu brillantissime d’Allauddin Khan au sarod sur la Face A et au violon sur la Face B, est une excellente introduction à son univers musical.

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Khan’s message to all musicians was: “Let me emphasize that there is no particular community in music. Music has one personality and one religion, and all votaries of “nada” are a class by themselves. As devotees of Nada Brahma, all musicians should try to revive the ancient glory of Indian music.”*

 

He used to say: “When I play, my mind forgets all the realities of the external world, and is turned inward right into my innermost self where God dwells. I play for Him only. One life-time is not enough to master this unlimited art. Musical notes must be so pure and perfect that they should melt your heart and make the tears flow. In spite of a century devoted to the pursuit of music, I have been able to touch such perfect notes only twice or thrice, in my life. At such moments, I have experienced a state of rare mental bliss, and sensed a pink brilliance before my mental eyes.”*

 

*Great Masters of Hindustani Music by Susheela Misra, Hem Publishers Private Ltd, Delhi, 1981.

Photograph below is from The Musicians of India (Illustrated) by Harendra Kishore Roy Chowdhury, Ramgopalpur, 1929:

Baba Allauddin Khan on the sarod:

This fascinating 1957 documentary on Allauddin Khan by Indian film director Ritwik Ghatak (1925-1976), also features fine performances by some of his famous disciples, including his son Ali Akbar Khan, Ravi Shankar and Nikhil Banerjee:

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INDONESIA – INDONÉSIE Sulaeman & the National University Group of Djakarta – Flute & Gamelan of West Java – Tangent Records TGS 137

INDONESIA – INDONÉSIE
Sulaeman & the National University Group of Djakarta – Flute & Gamelan of West Java – Tangent Records TGS 137, recorded by Mike Steyn*, released in 1978 (LP)

I first heard Sulaeman’s heavenly bamboo suling flute accompanied by kacapi zither when I purchased this album in the early 1980s. Everyone I played this music to, even people unfamiliar with traditional music, fell under its ethereal spell. 

The Sundanese suling master, born c. 1910, started his career very young accompanying famous singers in the 1920s and 1930s, with whom he recorded a string of shellac 78 RPM discs. Sulaeman lived as a recluse and disappeared from view until he was rediscovered, in 1970, and invited to join the Faculty of Fine Arts at Jakarta’s National University. Sulaeman subsequently toured in Indonesia and abroad and recorded this precious duet featuring his exquisitely magical suling flute acccompanied by a delicate and lyrical 18-string kacapi zither played by Sukaya.

Side B features a small gamelan orchestra from West Java with gongs, chimes, metallophones a cymbal and drum played by the National University Group of Djakarta with Sulaeman, Sukaya, Syaukat, Katiyo, Setu, Sudarga and Suryabrata (orchestra director)

 

J’ai découvert la flûte suling céleste de Sulaeman accompagné d’une cithare kacapi pour la première fois après avoir acheté cet album au début des années 1980. Toutes les personnes à qui j'ai fais écouter cette musique, même celles peu familiarisées avec la musique traditionnelle, sont tombées sous son charme éthéré.

 

Le grand maître du suling soundanais, né vers 1910, débuta sa carrière à un jeune âge en accompagnant des chanteurs célèbres dans les années 1920 et 1930, avec lesquels il enregistre une série de disques 78 tours. Sulaeman vivait en solitaire et disparu de la circulation jusqu’à ce qu’il soit redécouvert en 1970 et invité à rejoindre la Faculté des beaux-arts de l’Université nationale de Jakarta. Sulaeman donna par la suite des concerts en Indonésie et à l'étranger et enregistra ce précieux duo présentant son jeu magique de flûte suling en bambou accompagné d'une cithare kacapi à 18 cordes délicate et lyrique jouée par Sukaya.

 

La face B du disque présente un petit orchestre de gamelan de Java occidental comprenant des gongs, des clochettes, des métallophones, une cymbale et un tambour joués par les membres du National University Group of Djakarta avec Sulaeman, Sukaya, Syaukat, Katiyo, Setu, Sudarga et Suryabrata (directeur de l’orchestre).

Music For The Bamboo Flute

A1 – Mupu Kembang (Collecting Flowers) 

A2 – Catrik (Young Student) 

A3 – Sinyur (Continous Whirling)

A4 – Manintin (Humming, Singing Bird)

 

Gamelan Music

B1 – Srimpi Kakarta (Female Dancers of the Court)

B2 – Bendrong (Invocation of the Rivercrab)

B3 – Jipang (Melody for the Beginning of a Festive Celebration) 

B4 – Putri (An Accompaniment to a Dance by a Maiden; Theme; Youth)

B5 – Renggong Buyut (Ancient Melody, May Accompany a Boy from the Village, Dancing Acrobatically) 

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*Michael Eugene Steyn (1931-1999), who founded Tangent Records in London, “played an unusual part in the musical life of the UK, particularly in the folk revival of the Sixties and Seventies.

While other record companies and producers responded to public interest by promoting the forgotten or neglected treasures of Anglo-American folk music, Steyn went beyond the confines of the West, to Africa and Asia. He launched a number of outstanding musicians and singers, some celebrated in their own countries but unknown in Britain, others new and obscure, and launched their international careers. Their music inspired and influenced musicians and singer-songwriters as diverse as Paul Simon and Peter Gabriel, and bands such as Genesis and Fairport Convention.”

www.independent.co.uk/arts-entertainment/obituary-mike-steyn-1045849.html

Our other Sulaeman suling flute post:

Sulaeman – Kacapi Suling - Sundanese Flute & Zither – Universitas Nasional, 1975 here

 

Our other Sundanese music post:
Gamelan Degung directed by Enip Sukanda (suling) - Galloway Records, 1972 here

Sulaeman, suling flute, and Sukaya, kacapi zither:

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JAPAN – JAPON Gagaku Collection 2 – Music Department of the Imperial Household Agency – Victor – SLJ-59

JAPAN – JAPON
Gagaku Collection 2 – The Kunaichō Gakubu Ensemble / Music Department of the Imperial Household Agency – Victor – SLJ-59, released in 1973 (LP)

Here's another mesmerizing LP of Gagaku imperial court music – performed by the Kunaichō Gakubu, the Imperial Household Agency’s Court Ensemble, made up of 25 musicians – exemplifying a remarkable orchestral tradition dating back more than 1000 years ago.

 

Initially influenced by Chinese Togaku and Korean Komagaku musics, which have now completely disappeared, Gagaku music was first performed in Japan during the 8th century and has been passed down to this day by musicians who belong to hereditary guilds in order to ensure an unbroken lineage. Gagaku was more recently revitalized and reorganized in the 1870s during the Meiji Era’s nationalist modernization of Japan, when it was recognized as being an essential element in Japanese heritage and identity that must be safeguarded.

 

The Kunaichō Gakubu ensemble consists of three groups of instruments: wind instruments, including piercing hichiriki and ryuteki flutes, and sho mouth organs; string instruments, including biwa lutes and gakuso zithers; and percussive instruments, including kakko and dadaiko drums, and shoko bronze gongs.

 

This stately, celestial music, orchestrated with shimmering minimalist layers of sound, unfolds in an offbeat slow-moving tension with simple melodic lines, drones, clusters and eerie sonorities.

 

“It is not only an important cultural tool in confirming Japanese identity and a crystallization of the history of Japanese society, but also a demonstration of how multiple cultural traditions can be fused into a unique heritage through constant recreation over time.”*

*https://ich.unesco.org/en/RL/gagaku-00265

 

Voici un nouvel album envoûtant de musique de cour impériale Gagaku – jouée par le Kunaichō Gakubu, l'orchestre de l'Agence de la Maison Impériale de Kyoto, composé de quelque 25 musiciens – présentant une remarquable tradition orchestrale remontant à plus de 1000 ans.

 

Initialement influencée par la musique chinoise Togaku et la musique coréenne Komagaku, aujourd'hui complètement disparues, le Gagaku fut joué pour la première fois au Japon au VIIIe siècle et sa transmission ininterrompue jusqu’à nos jours fut assurée par des musiciens appartenant à des guildes héréditaires. Le Gagaku fut plus récemment revitalisé et réorganisé dans les années 1870 lors de la modernisation nationaliste du Japon pendant l'ère Meiji, lorsque cet art fut reconnu comme un élément essentiel du patrimoine et de l'identité japonaise devant être sauvegardé.

 

L'ensemble Kunaichō Gakubu comprend trois groupes d'instruments : des instruments à vent, dont des flûtes hichiriki et ryuteki, et des orgues à bouche sho ; des instruments à cordes, dont des luths biwa et des cithares gakuso ; ainsi que des percussions, notamment des tambours kakko et dadaiko et des gongs shoko.

 

Cette musique majestueuse et céleste, orchestrée avec des nappes sonores minimalistes chatoyantes, se déploie dans une tension lente et décalée avec des lignes mélodiques simples, des bourdons, des ‘grappes de sons’ (clusters) et des sonorités déroutantes.

 

« Vecteur culturel important de l’identité japonaise et cristallisation de l’histoire de la société japonaise, il est aussi la démonstration du mariage possible entre de multiples traditions culturelles pour donner naissance à un patrimoine unique, grâce à un processus constant de recréation au fil du temps. »*

*https://ich.unesco.org/fr/RL/le-gagaku-00265?RL=00265

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Our other Gagaku music post:

Gagaku –Toshiba Records – TH-9020, 1964 here

Photograph below is from Shashin Voyageurs et Photographes au Japon: 1868-1912 by Frank Berzieri, Phebus, 2009:

Japanese Shinto priests playing the complex strategy board game of Go, invented in China some 4,500 years ago, 1890:

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SENEGAL – SÉNÉGAL Soundioulou Sissoko – Musique et Chants Traditionnels du Sénégal – Disques Festival – FAN 9002

SENEGAL – SÉNÉGAL

Soundioulou Sissoko – Musique et Chants Traditionnels du Sénégal – Disques Festival – FAN 9002, 1968 (7 inch, 45 RPM)

This precious 7-inch record, released in 1968, presents four essential solo tracks (kora harp and vocals) by Soundioulou Sissoko (aka Soundjoulou Cissokho, 1921-1994), one of the most celebrated Senegalese korafolu virtuoso of the second half of the 20th century.

 

Born into a musical family in Ziguinchor, Casamance, South of Gambia, where his father Bah Kimintang Cissokho was the famous djeli (griot) of King Abou N'Diaye, Cissokho quickly mastered the 21-string kora harp and the Mandingo repertoire and began performing at an early age. Beginning in the late 1940s, he toured Africa and Europe with Keïta Fodeba's Pan-African troupe and began releasing shellac 78 RPMs in the 1950s. During the following decade, he became known as the “King of the Kora” and teamed up with singer Mahawa Kouyaté (aka Maa Hawa Kouyaté, b. 1949), who also became his wife. They were affectionately called the “Royal Couple of African Traditional Music” by their many admirers. 

 

Cissokho – who embodied the Mandingo cultural heritage spanning modern day Senegal, the Gambia, Guinea, Mali, Burkina-Faso and Côte d’Ivoire – brilliantly expressed the humanity, reflective intellect, sense of the sacred, and lofty dignity of a bygone era.

 

Ce précieux disque 45 tours, sorti en 1968, présente quatre titres solos (cora et chant) de Soundioulou Sissoko (ou Soundjoulou Cissokho, 1921-1994), l'un des plus célèbres virtuoses korafolu sénégalais de la seconde moitié du 20e siècle.

 

Né dans une famille de musiciens à Ziguinchor, en Casamance, au sud de la Gambie, où son père Bah Kimintang Cissokho fut le célèbre djeli (griot) du roi Abou N'Diaye, Cissokho maîtrisa rapidement la harpe kora à 21 cordes, ainsi que le répertoire mandingue et commença à jouer en public dès son plus jeune âge. À partir de la fin des années 1940, il effectue des tournées en Afrique et en Europe avec la troupe panafricaine de l’artiste guinéen Keïta Fodeba (1921-1969) et commença à enregister des 78 tours dans les années 1950. Au cours de la décennie suivante, il est sacré "roi de la kora" et s'associe à la chanteuse Mahawa Kouyaté (alias Maa Hawa Kouyaté, née en 1949), qui devient également son épouse. Leurs nombreux admirateurs les appelaient affectueusement le "couple royal de la musique traditionnelle africaine". 

 

Soundioulou Cissokho – qui incarnait l'héritage culturel mandingue s’étendant sur un territoire englobant le Sénégal, la Gambie, la Guinée, le Mali, le Burkina-Faso et la Côte d'Ivoire – exprima avec brio l'humanité, le sens du sacré et la noble plénitude d'une époque révolue.

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Our other Senegalese music shares:

Soundioulou Sissoko & Mahawa Kouyaté / Lalo Kéba Dramé & Samba Diabare Samb – N'Dardisc 33.10 here

La Musique des Griots – Ocora OCR 15 here

Lalo Keba Drame et sa Cora – N’DARDISC 33-13 here

Aissa M'baye – Sonafric SAF 50 027 here

Abdoulaye Idi Seck – Folklore du Sénégal Sonafric SAF 50105 here

 

Our Malian, Guinean & Gambian kora posts and more:

Sékou Batourou Kouyaté et sa Cora – Disques Kouma KLP 1041 here

Ensemble Instrumental du Mali – Syllart Production SYL 8379 here

Afrique Vol. 4 – Collection du Musée de l'Homme – Vogue EXTP 1032 here

African Journey – A search for the Roots of the Blues Vol. 2 – Sonet  here

African Journey – A search for the Roots of the Blues Vol. 1 – Sonet here

Vintage postcard of Senegalese griots:

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