INDIA Nikhil Banerjee – Raag Hemant, Raag Bhatiyar – HMV EASD 1342

INDIA – INDE
Nikhil Banerjee – Raag Hemant, Raag Bhatiyar – HMV EASD 1342 – recorded in 1969 (LP)

We present the brilliant sitarist Nikhil Banerjee (1931-1986), who found his own powerful expression alongside superstars Vilayat Khan and Ravi Shankar. The great Baba Allauddin Khan (1862-1972) quickly recognized his prodigious talent after meeting the teenager in 1947 and accepted him as his pupil. The venerable guru’s son, sarod master Ali Akbar Khan (1922-2009), would later continue Banerjee’s training.

The maestro, who died prematurely at age 54, released only a limited number of albums during his lifetime. Luckily the labels Raga Records and Chhanda Dhara posthumously published many remarkable live performances capturing him at the height of his powers.

This LP, featuring Karamatullah Khan (1917-1977) on tabla, is one of the artist’s early recordings, which exemplifies his extraordinary mastery of melody and rhythm combined with free-flowing emotion, depth, nuance and vitality.

“Whenever you play a raga, begin with worshipping and welcoming it. Imagine it to be a deity. Bow down and pray that it should have mercy on you and it should become alive through your medium. Never approach a raga with a feeling of pride or vanity in your heart. Music grows out of the purest feelings of your soul and hence the mind of the musician, if only purified, can produce the vibration.”

Nikhil Banerjee

Nous présentons ici le brillant sitariste Nikhil Banerjee qui a imposé son propre style aux côtés des superstars Vilayat Khan et Ravi Shankar. Après avoir rencontré l'adolescent en 1947, le grand Baba Allauddin Khan (1862-1972) a rapidement reconnu son talent prodigieux et l'a accepté comme disciple. Le fils du vénérable guru, le maître du sarod Ali Akbar Khan (1922-2009), poursuivra ensuite l’éducation de Nikhil Banerjee.

Le maestro, décédé prématurément à l'âge de 54 ans, n'a produit qu'un nombre limité d'albums de son vivant. Fort heureusement, les labels Raga Records et Chhanda Dhara ont publié à titre posthume de nombreux concerts remarquables avec le Pandit au sommet de son art.

Cet album, avec Karamatullah Khan (1917-1977) aux tablas, est l’un des premiers enregistrements de l’artiste qui illustre parfaitement son extraordinaire maîtrise de la mélodie et du rythme, alliée à une émotion fluide, une profondeur subtile et une grande vitalité.

« Avant de jouez un raga, commencez donc par l'accueillir et le vénérer comme s'il s'agissait d'une divinité. Prosternez-vous et priez pour que le raga vous accorde sa miséricorde et qu'il prenne vie à travers votre musique. N'abordez jamais un raga avec de la fierté ou de la vanité dans votre cœur. La musique naît des sentiments les plus purs de l'âme et, par extension, de l'esprit du musicien, qui, s'il est purifié, peut alors produire la bonne vibration. » 

Nikhil Banerjee

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The photographs below are from The Art of Tantra by Philip Rawson, Thames & Hudson, 1978; Le Folklore Musical by Alain Gobin, Editions Garamont-Archimbaud, 1988; and Art des Indes - Miniatures Mogholes by George Lawrence, Fernand Hazan, 1963:

GHANA / TOGO / THE GAMBIA African Journey – A Search for the Roots of the Blues Volume 2 – Sonet SNTF 667

GHANA / TOGO / THE GAMBIA
African Journey – A Search for the Roots of the Blues Volume 2  – Sonet SNTF 667, recorded by Samuel Charters, 1974 (LP)

Samuel Charters (1929-2015) was an American music historian, writer, record producer, musician and poet with a keen interest in folk, jazz and blues. Charters published the seminal The Country Blues in 1959 and was instrumental in the resurgent interest in blues and folk in the 1960s expressed by artists and bands like John Lee Hooker, Muddy Waters, Cream, The Rolling Stones and Bob Dylan. Charters also recorded many jazz and blues artists, as well as two LPs of the Bahamian folk guitarist Joseph Spence on the Folkways label.

His interest in black music led the ever-inquisitive and passionate Charters to seek out the roots of these African-American musics in West Africa, and he released two scintillating field recordings on the Swedish label Sonet. Here, we present Volume 2, which touches the roots of gospel, blues and jazz in village brass bands from Ghana that are eerily reminiscent of the wailing sounds of the New Orleans brass bands of old (A1, A3), hymns by the Anyinam St. Cecilia Singing Band from Ghana (A5, B1), griot music on the kora and xalam from The Gambia (A2, A4, B3), music from the Frafra people, Ghana (B2) and drumming from the Ewe people, Togo (B4).

“The musical cultures of West Africa have been one of the richest sources of the music of the United States and of Central and South America and the Caribbean. It was the blending of African vocal techniques and rhythmic concepts with European harmonic forms and rhythms that produced the spiritual, the blues, ragtime and jazz. It was not only styles of music that made the long passage to America, but instruments as well – like the halam, which became the banjo, and the balafon which became the xylophone. These recordings were made during extended journeys among the peoples of West Africa whose lives and culture have become part of the cultural history of America.”

Samuel Charters

Samuel Charters (1929-2015) était un historien de la musique, un écrivain, un producteur de disques, un musicien et un poète américain passionné par le folk, le jazz et le blues. Il a notamment publié The Country Blues en 1959 et a joué un rôle important dans le regain d’intérêt pour le blues et le folk dans les années 1960, qui verra le succès de groupes et d'artistes comme John Lee Hooker, Muddy Waters, Cream, The Rolling Stones ou Bob Dylan. Samuel Charters enregistra également de nombreux artistes de jazz et de blues sur son propre label, ainsi que deux disques du guitariste folk des Bahamas Joseph Spence sur le label Folkways.

La passion et la curiosité de Samuel Charters pour la musique noire l'ont amené à voyager en Afrique de l'Ouest à la rechercher des racines de ces musiques afro-américaines, dont il a tiré deux albums pertinents sur le label suédois Sonet. Nous présentons ici le volume 2, qui présente les racines africaines du gospel, du blues et du jazz avec des fanfares dans des villages au Ghana, qui rappellent étrangement les sons gémissants des anciennes fanfares à la Nouvelle-Orléans (A1, A3), des hymnes du Anyinam St. Cecilia Singing Band du Ghana (A5, B1), de la musique de griot sur la kora et le xalam de Gambie (A2, A4, B3), de la musique Frafra du Ghana (B2) et des percussions Ewés du Togo (B4).

« Les cultures musicales de l’Afrique de l’Ouest ont été l’une des sources d'inspiration les plus riches des musiques aux États-Unis, en Amérique Latine et aux Caraïbes. C'est le brassage des techniques vocales et des concepts rythmiques africains avec des formes harmoniques et des rythmes européens qui ont produit le gospel, le blues, le ragtime et le jazz. En plus de ces styles musicaux, des instruments - comme le halam et le balafon qui sont respectivement devenus le banjo et le xylophone - ont également effectué le voyage vers les Amériques. Ces enregistrements ont été réalisés au cours de séjours prolongés en Afrique de l'Ouest, dont les cultures font désormais partie intégrante de l'histoire culturelle des États-Unis. »

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INDIA RAJASTHAN Flûtes du Rajasthan – Le Chant Du Monde LDX 74645

RAJASTHAN
Flûtes du Rajasthan – Le Chant Du Monde LDX 74645 – photographs and recordings by Geneviève Dournon-Taurelle, 1977 (LP)

Rajasthan, the Land of Kings, lies in northwestern India on the border of Pakistan. Its inhospitable Thar Desert is populated by small herding and farming communities who must often travel to find pastures for their livestock. Like many other pastoral peoples in the world – the Fulani in West-Africa, the indigenous Peruvians or the people of the Balkans – flute playing is one of their favorite pastimes and is at the heart of their culture and identity.

This remarkably well-recorded LP showcases the oblique narth flute accompanied by a drone produced by the narth player’s throat, which at times turns into a deep hoarse voice (side A); and the satara double flute, one of the flutes acting as a drone, and the other playing the melody (side B). The seemingly uninterrupted flow of music is achieved through circular breathing techniques – breathing through the nose and exhaling at the same time. This was a technique jazz virtuoso Rashaan Roland Kirk (1935-1977) excelled in, playing up to three reed instruments at once without ever needing to catch his breath!

The musicians performing here – Karna Ram Bhil (A1-A3) and Ahmed (A4) on narth flute and voice/drone, and Pura Ram (B1), Rijmal (B2), and Dodha Langa (B3) on satara double flute – all create fascinating melodies, sound textures and harmonics.

Le Rajasthan, « le pays des rois », situé dans le nord-ouest de l’Inde, à la frontière du Pakistan, abrite le rude désert du Thar peuplé de petites communautés vivant essentiellement de l’élevage et devant souvent parcourir de longues distances pour trouver des pâturages pour leurs cheptels. Comme d'autres peuples pastoraux dans le monde – tels que les Peuls en Afrique de l'Ouest, les Indiens du Pérou ou dans les Balkans – la flûte est l'un de leurs passe-temps préférés, au cœur de leur culture et de leur identité. 

Ce disque remarquablement bien enregistré présente la flûte narth accompagnée par un bourdon émis par la gorge du musicien, qui se transforme parfois en bourdon vocal (Face A); et la double flûte satara, avec l’une des flûtes jouant le rôle de bourdon (Face B). Ce flux de musique apparemment ininterrompu est rendu possible par la maîtrise de la respiration circulaire – respirer par le nez tout en expirant en continu (une technique dans laquelle le jazzman virtuose Rashaan Roland Kirk (1935-1977) excellait, jouant jusqu'à trois instruments simultanément sans jamais avoir besoin de reprendre son souffle !).

Les musiciens ici – Karna Ram Bhil (A1-A3) et Ahmed (A4) sur la flûte narth et la voix / bourdon, et Pura Ram (B1), Rijmal (B2) et Dodha Langa (B3) sur la double flûte satara – créent tous des mélodies, des textures sonores et des harmoniques fascinantes.

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Thank you João for sharing this LP!

During the time we lived in New Delhi in the mid-sixties, my parents found this colorful vintage painting on canvas (97 cm x 49 cm) in nearby Rajasthan for my bedroom; it hung right over my bed until I was 14. I remember looking up and losing my gaze in it, wondering why this battle scene paradoxically didn't convey a sense of violence or sadness. There is balance, precision and detachment here; things are conveyed on a symbolic plane. It was funny to see this Rajasthani folk artwork again after decades in storage.

INDONESIA Gamelan Kjahi Kaduk, Manis Rengga – Gamelan Music from Java – Philips 831 209 PL

INDONESIA – INDONÉSIE
Gamelan Kjahi Kaduk, Manis Rengga – Gamelan Music from Java – Philips 831 209 PL, recorded by Nusjirwan Tirtaamidjaja in the Kraton of Surakarta, in 1963 (LP).

Following our two posts of Javanese court music (here and here), we now present another gorgeous gamelan album recorded in Sukarata, Central Java, in 1963.

Spacy circular music with an otherworldly aura, featuring the deep, lingering sounds of interwoven gamelan clusters, delicate ghostlike female voices, and the stark, abstract sonorities of a bowed rebab violin.

Suite à nos deux posts précédents sur la musique de cour javanaise (ici et ici), nous présentons maintenant un autre album magnifique de gamelans enregistré à Sukarata, Java central, en 1963.  

Une musique circulaire avec une aura surnaturelle, faite de sonorités profondes de gamelans entrelacés, comme suspendues dans l’espace, de voix féminines délicates et évanescentes, et d'un violon à archet rabab caverneux et abstrait.

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The photographs below are from Sacred Dance – Encounter with the Gods by Marie-Gabrielle Woslen, Thames & Hudson, 1974, and The Art of Southeast Asia by Philip Rawson, Thames & Hudson, 1967:

Ritual stick dance between the Sun and the Moon, Java, followed by a 9th century monk's head, Chandi Plaosan, Java.

NIGERIA Yusufu Olatunji & His Group – Vol. 17 – Philips PL 636 1050

NIGERIA – NIGÉRIA
Yusufu Olatunji & His Group – Vol. 17 – Philips PL 636 1050 (LP)

(1909-1978)

Following our presentation of the great Yusufu Olatunji in a previous post here, we share another precious recording of his Sakara music – a deep Yoruba traditional genre tinged with Arab-Islamic influences featuring male voices, percussion and goje violin. This brilliant slow-moving flow of delicate, complex and majestic music radiates peace, fire and lofty dignity.

Suite à notre présentation de Yusufu Olatunji dans un post précédent ici, nous partageons à présent un autre enregistrement précieux de sa musique Sakara – un genre traditionnel yoruba teinté d’influences arabo-islamiques avec des voix d’hommes, des percussions et un violon goje. Ce flux sonore complexe, brillant et délicat rayonne de paix, de feu et de noble plénitude.

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The photographs below are from Yoruba Sculpture of West Africa by William Fag, Harper Collins, 1982:

MALI Sali Sidibé – L'enfant Chéri du Wossolon Vol. 1 – Disco Club de la Bagoué FT 002

MALI
Sali Sidibé – L'enfant Chéri du Wossolon Vol. 1 – Disco Club de la Bagoué FT 002, 1980 (LP)
(b. 1951)

Born in the city of Yanfolila in Mali’s south-western Wassoulou region, near Guinea and Ivory Coast, Sali Sidibé is one of the main champions of traditional Wassoulou music. She became popular in Mali with hits like Toukan Magni and later achieved global recognition by appearing on the Stern label’s wonderful 1994 The Wassoulou Sound – Women of Wassoulou. She also joined the prestigious Ensemble Instrumental du Mali in the early 1980s.

L’Enfant Chéri du Wassolon is Sidibé’s first release of traditional Wassoulou music, featuring her amazing singing in the Bambara language, accompanied by Alou Fané on Ngoni six-string harp and Madou Traoré on guitar.

Side A includes the song Mougna where Sidibé reflects on the challenges of polygamy; Barry is the tale of a young man who leaves his country to seek adventure and riches, but he ends up losing his life. Side B includes Dounouya Djamou dedicated to her friends, and Miri Magni, a musing on the advantages of solitude for reflection and meditation, but also its detriments.

Sali Sidibé, née à Yanfolila dans la région de Wassoulou au sud-ouest du Mali, près de la Guinée et de la Côte d'Ivoire, est l’une des principales figure de la musique traditionnelle wassoulou. Elle devient très populaire au Mali dans les années 1980, avec des titres à succès comme Toukan Magni, et ensuite à l’international avec notamment des morceaux sur le superbe Wassoulou Sound - Women of Wassoulou sur le label Stern’s publié en 1994. Elle rejoint également le prestigieux Ensemble Instrumental du Mali au début des années 1980.

L’Enfant Chéri du Wassolon est le premier album de musique traditionnelle wassoulou de Sali Sidibé. Son magnifique chant en bambara est accompagné par Alou Fané à la harpe Ngoni à six cordes et Madou Traoré à la guitare.

La face A comprend Mougna, où Sali Sidibé médite sur les difficultés liées à la polygamie ; Barry, l'histoire d'un jeune homme qui quitte son pays pour partir à l’aventure et faire fortune mais qui meurt en chemin. La face B comprend Dounouya Djamou dédiée à ses amis et Miri Magni sur les avantages de la solitude pour réfléchir ou se recueillir, mais qui peut, dans certains cas, avoir des effets néfastes.

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Listen to Sali Sidibé's excellent Ntanan on The Wassoulou Sound – Women of Wassoulou: